<<Nel sogno ero diventato piccolo, piccolissimo. Era tutto buio. Allora vidi una finestra (una porta?), ma più mi avvicinavo e più rimpiccioliva, anzi si stringeva. Quando fui vicino era ormai soltanto poco più che un buco di serratura, per cui quando sbirciai dentro mi sembrava pure di spiare! Ma ecco che lì vidi un altro mondo, bello come l'infinito: credo che fosse il paradiso. Dopo qualche istante staccai il volto perchè non vedevo quasi più nulla, allora mi girai, ora era più chiaro, e camminai verso un'uscita. Come stordito mi girai a riguardare lo spiraglio del paradiso. E pieno di stupore vidi nella penombra la ferita aperta sul costato di un Cristo, splendente di rosso carmino>>. Rinaldo Invernizzi

Contributo critico di Andrea B. Del Guercio nel catalogo "Rinaldo Invernizzi Paesaggi di Risurrezione":

Percorso nel sacro
(.....) Posizionandosi all'interno del tessuto <<sacro>> dell'arte, l'artista appare coinvolto in un percorso culturale e quindi in un processo creativo in cui vanno ad agire l'infinito peso dell'esperienza spirituale delle origini e della sua storia, con l'originalità che si rinnova nell'individualità; ritengo che non si debbano porre distanze tra l'arte sacra antica e quella contemporanea, così come tengo, costantemente e sempre con maggiore certezza, a non vedere ostacoli né separazioni tra il patrimonio e l'attualità; un percorso di arricchimento per intuizione e per partecipazione elaborato non solo nella collocazione all'interno di un unico settore teologico. (....)

Di Cristo o del Costato
Colgo immediatamente alcuni fattori sui quali si fonda e si articola il sistema linguistico predisposto in questa fase espressiva da Invernizzi; mi colpisce la notevole e sistematica produzione su un costante formato tendente al quadrato; all'interno di ogni opera dialogano e tessono relazioni simboliche il gesto-segno e la materia cromatica. La forma delle tele e il loro forte e insistito sistema di ripetizione iconografica, occupano e caratterizzano, invadono lo spazio; si apre un caleidoscopio di immagini che si inseguono, dove ogni nuova <<immagine>> svela e rivela solo e attraverso il frammento, come forma di apprendimento attraverso la porzione simbolica; la forma quadrata spinge a una concentrazione della fruizione e articola al suo interno il sistema linguistico di relazioni del racconto. Risale al 2000 il torso d'uomo-tronco di una vita plasmata tra il vigore e la sofferenza; è un'opera ancora marcatamente figurativa ma è già il colore ad assumere attraverso valenze simboliche del legno, nel busto e nelle forme spezzate delle braccia, la severità di un dolore, di uno strazio simbolico, impresso con valore rappresentativo non del singolo, ma dell'intera umanità; si aggiungono i particolari piu dolorosi attraverso il continuo gioco del segno che sottolinea e incide, delimita e restringe, e una materia che si espande ora fonte divina di luce, ora sostanza umana che soffre oscura. (....) Un'opera che, da questo ciclo del dolore estremo, risulta perfetta e definitiva, quasi posta a chiudere una stagione dell'umanità, una storia che dopo duemila anni non sembra cambiare, né poter evolvere ma solo ripetersi sempre sotto le stesse forme e gli stessi sentimenti. Gli sviluppi successivi subiscono una forte accelerazione nella definizone dei valori espressivi, in cui la materia cromatica si arricchisce e si esalta, condivide una stato di conflittualità e di contrasto; il dato del nero, bituminoso e inattraversabile, sembra in grado di definire gli stretti margini della realtà umana; il nero è la forma di maggior dolore di quello dello stesso corpo offeso, essendo un <<territorio>> in cui la sofferenza non sembra in grado di penetrare, di essere compresa. All'interno dello spazio di vita, materia e colore animano dialetticamente l'esistenza, l'essere e lo stare; i rossi si sono estesi sui marroni per cui la materia umana appare territorio e vita, energia che palpita e reagisce, combatte per la propria sopravvivenza;dal buio si affaccia un'autostrada di energia vitale come tronco e fiume, mentre le braccia-rami come affluenti si ricongiungono. (....)

Il Calice
A questo ciclo Invernizzi è giunto con la volontà di concentrare nell'intensità dell'icona di colore-materia il valore salvifico, la speranza di salvezza, l'apertura verso la vita, tra le sue gioie e la qualitò dell'esperienza che in essa si consuma. Grandi pale di rosso in estensione sempre pronto a uscire, a superare i limite dello spazio; forme di materia cromatica che si impongono, che travalicano monumentali; rossi non più del dolore vorace ma rappresi nella materia che tutto invade e definisce, che copre e scalda; rossi che parano di un calore concettuale, colti oltre l'umana esperienza ed estratta dalla cultura interna del fare dell'arte; rossi che si distribuiscono e si estendono nel sistema delle forme; un rosso a tratti acceso dalla particolare incidenza della luce; rosso infine liberato dal segno, qui autonomo rispetto a ciò che sottolinea, che definisce e limita. Un sistema espressivo nuovo per Invernizzi, caratterizzato dal desiderio di estensione mentale dei valori cromatici e a cui risponde anche l'impiego del giallo, inteso nelle sue specificità interiori e senza dipendenza simbolica diretta nella luce e nella simbologia della speranza; giallo che accende e sollecita, che evade ed esalta come traccia cometa. Il giallo materia che attraversa e conduce, che scavalca e travolge la staticità del tempo e dello spazio raccolto e racchiuso; giallo dipinto a grandi pennellate, che si estende nella materia dell'opera. A piccoli tratti appaiono improvvisi e ulteriori tasselli del percorso espressivo, le forme di azzurro e di bianco, dove la luce-colore sembra spaccare, tranciare di netto, la superficie monotona, avvolgente della materia. Anche questo ciclo pittorico, forse con più intenzione astratta e valenza simbolico-concettuale, presenta la forza e le dimensioni teologico-liturgiche dell'arte sacra antica, si riporta con la sua staticità alla fissità monumentale delle originei più lontane nel tempo spirituale, e ancora nel rigore della forza silenziosa dei grandi decori musivi, negli estesi cicli di mosaici tra absidi e catini paleocristiani, lungo le ampie pavimentazioni. Si afferma con il calice un ciclo pittorico che conferma nella volontà di fissità il suo maggior valore, che in se stessa si concentra, si sofferma e si stabilisce perché il pensiero dell'uomo viva l'esperienza della fede nella tensione della bellezza che dialoga.

La Croce
Lo sguardo del pittore si porta rapidamente sul primo piano e configura il suo stato di partecipazione espressiva attraverso il particolare strutturale del supporto plastico della Croce romana, squadrata con il netto rigore dei piani frontali e laterali; in forma di particolare pittorico Invernizzi si attesta sull'apice che coglie la descrizione all'incontro tra i due distinti monoliti, tra verticalità e orrizzontalità; lo sguardo indaga, si sofferma, appunta analitico con brevi spostamenti dell'obiettivo, documenta a poca distanza e consegna alla nostra visione partecipata il sistema di relazioni simboliche di uno spazio ormai abbandonato dal corpo, dall'umanità sofferenza del dolore. Non un'opera dedicata alla Croce ma un ciclo di opere, di quadri che anche in questo caso si inseguono,  che si affastellano, scanditi lungo un processo creativo e una fruizione condivisa; il singolo elaborato vive come frammento visivo di un racconto che si sofferma arricchendosi esperienzialmente sempre e continuamente sulla stessa architettura, sul medesimo simbolo, sulla medesima materia cromatica. Il rosso è il legno di materia impastata, in cui la fibra si configura attraverso la presenza dei suoi simboli di vita; il rosso che soppravenendosi rispetto al marrone sottostante, ricorda la fibra accesa dell'albero di ciliegio, mentre i suoi frutti suggeriscono la laccatura ortodossa; ancora il cotto rosso della civiltà popolare che nle sole vede la vita; così lungo le due traverse superiori e la testa del grande trave centrale si accende la rifrazione del sole e con esso la speranza. (....)

Il Sepolcro Aperto e i Paesaggi della Risurrezione
Un breve ciclo di opere di più raccolto formato è dedicato, in un clima policromo vivace, alla realtà di un Sepolcro Aperto, di uno spazio <<liberato>> dalla condizione della morte e riconsegnato alla vita; è il colore che si fa spazio nel rigore ancora dell'architettura a suggerire la sua Rinascita, l'acquisizione di un nuovo stato, la frequentzione di unanuova condizione. Così come fu per il blu ad apparire nei brevi ritagli delle ultime Croci, nell'ospitalità avvolgente del Calice, in queste opere sono i gialli e i verdi a intervenire con particolare accensione e forza sia sul piano simbolico altro e con incidenza psicologica sulla percezione. Con queste nuove opere, Invernizzi dimostra di aver ulteriormente maturato il suo sistema linguistico e di aver dato vigore e significato concettuale al suo percorso d'indagine; il colore si fa forma autonoma, spazio individuale di di massa e di superficie, geometria e materia, reltà fisica e testimonianza di una spiritualità che palpita, che vive, che vuole essere frequentata. In particolare é la presenza anomala del rosa, poco sistituzionale nella religiosità simbolica, a sancire questo passaggio di valori e di esperienza attraverso la cultura dell'arte. I Paesaggi della Risurrezione sono racchiusi in un nuovo e intenso ciclo di quadrati di ferro-colore; ogni singolo paesaggio si afferma silenzioso dettagliato dalla severità dei grigi che si sommano, tra le superfici che si susseguono verso le brevi aperture notturne, tra il bagliore della luna e le rifrazioni di essa nello spazio infine ritagliato e divaricato del blu. Non più l'urlo dei rossi e dei gialii, ma ancora il colore con valore specifico e autonomo di se stesso rispetto alla realtà del racconto e della descrizione; si afferma una proliferazione di grigi posti da Invernizzi tra il cielo e la terra, predisposti lungo la successione prospettica dello sguardo, dettagliati nella singola massa uniforme; grigi che vivono una propria vita interna appena solcati dalla leggerezza, dalla trattenuta ma non timida presenza di sfumature rosa, verdi, viola e gialle; il verde, colore a piccoli tratti già presente nei precedenti cicli, qui si contamina con intento quaso naturalistico con il giallo e fluisce morbido a spegnero lo spessore inattraversabile del grigio metallico. Pagine di ferro determinate dalla prospettiva intensa di una Risurrezione, di un percorso attraverso la nebulosità della materia cromatica, e del raggiungimento di sua forma descritta e ritagliata nella luce; una successione policroma di piani paesaggistici ancora con la forza di muri invalicabili, di piani a cui lo sguardo deve piegarsi per raggiungere uno spazio di libertà, una realtà aperta e luminosa, verso una proiezione di speranza. La <<Risurrezione>> di Rinaldo Invernizzi sta nel dialogo tra il blu che ospita il bianco, dove la luce si configura esperienza che a sua volta penetra all'interno del paesaggio, si riconduce salvifica lungo la successione dei piani e raggiungere il nostro sguardo, qualifica la nostra percezione visiva; un percorso della Risurrezione a ritroso rispetto al percorso da noi svolto con valore e forma dell'esperienza spirituale dell'arte sacra.

Contributo critico di Pierangelo Sequeri nel catalogo "Rinaldo Invernizzi Paesaggi di Risurrezione":

Lignum Crucis
La via della croce, qui, è interamente racchiusa nella croce stessa. La lunga ricerca di Rinaldo Invernizzi è il percorso di una vera e propria via nella croce, che cerca di entrare in intimità con il luogo in cui tutto l'orrore dell'uomo ostile a Dio si è consumato, insieme con il mistero benedetto della irrevocabile conciliazione che Dio stesso vi ha scritto, con lacrime e sangue, in nostro favore. Consummatum est. L'enormità dell'evento - in tutti i sensi - scaturisce dalla frequentazione del dettaglio. Come se il totale non potesse essere abbracciato, immenso com'è. La croce non può essere afferrata nella sua interezza. La croce sconfina sempre, da ogni lato, oltre la nostra visuale. L'angolo visuale, che ingrandisce il dettaglio, evoca un'immensità di cui indoviniamo la sproporzione. E' la croce post eventum quella che esploriamo, qui: con timore e tremore, ma anche con sguardo carezzevole e grato, intento a non perdere di vista nessun segno. Il Signore ne è già stato deposto. Non da molto. I toni del rosso e i toni del legno allestiscono lo scenario di un'intima compenetrazione. Mors et vita duello, conflixere mirando. Il sangue benedetto vi si è ragrumato, insinuando fra le vene del legno pozze di oscurità, regioni dell'ombra che respinge ogni sguardo. Ne rimangono però anche innumerevoli striature di luce, che accendono gli opachi contorni della scena. In più punti il legno se nè imbevuto: non è più vecchio e rinsecchito, appare nuovo, é turgido di linfa, profuma di taglio fresco. Il dettaglio della croce racconta. Il gerembo della camera oscura a cielo aperto, come una catacomba dell'inabissamento agli inferi del Figio, è contrastato dalla straordinaria vibrazione di una trasformazione in corso, che emana calore. La fonte della luce è duplice, con alterna accentuazione. Una sorgente viene dal di fuoridella scena: accarezza la superficie del legno-pelle con una lama di energia che trasfigura il dettaglio della croce, come fosse un corpo celeste improvvisamente acceso dal riflesso di una fonte luminosa invisibile, che lo estrae dalla morta penombra dello sfondo in cui è immerso. Un'altra sorgente, a ben vedere, è intrisa nella sua stessa materia, trasuda dalle nervature stesse della suoa rigorosità, ne accende l'incarnato vitale, irradia da un centro invisibile - come da un crogiuolo dell'oro - fino al calor bianco. Il dettaglio della croce racconta. Negli angoli della croce, quasi abbozzi di monumentali campiture per una Grrusalemme nuova, si aprono le finestrelle di un cielo che riapre i simboli della luce iniziale tra sole e luna, l'azzurro tenue di una creazioe vergine e pura, il bianco di un libro della storia tutto da scrivere, il verdervio che sconfigge il deserto e l'acquamarina immacolata del grande fiume che scorre eternamente fra gli alberi della vita: <<...un fiume d'acqua viva, limpida come cristallo, che scaturiva dal trono di Dio e dell'Agnello. In mezzo alla piazza della città, e da una parte e dall'altra del fiume, si trova un albero di vita che dà dodici raccolti e produce frutti ogni mese; le foglie dell'albero servono a guarire le nazioni>> (Apocalisse, 22, 1-2). Il racconto della croce è compiutamente decifrato nel momento in cui esso si innesta, con lenta ma inarrestabile approsimazione figurale, nell'icona del sacramento che ce ne  viene in dono, fino a che Egli venga.La croce si fa punto di appoggio e grembo: calice in cui si raccoglie ogni martirio della vita donata per amore. La coppa della nuova alleanza è come il fonte di un battesimo per la vita che non muore. <<Siamo stati battezzati nella sua morte>> (Lettera ai Romani 6,3). E' come la cupola di un arcobaleno perenne, che attrae nell'alto dei cieli nuovi, lontano dall'abisso di tutte le perdutezze possibili. << Quando sarò innalzato da terra, attrarrò tutti a me >> (Giovanni 12, 32). Il legno si fa stelo di oro fino, dopo labbraccio finale del Figlio, nella nostra carne esangue. << In forma umana umiliò se stesso, facendosi obbediente fino alla morte di croce >> (Lettera ai Filippesi 2, 8b). L'inventio crucis del giovane maestro Rinaldo Invernizzi è rigore dello sguardo contemplativo, esercizio dello spirito che interroga con l'intelleto d'amore le superfici e le pieghe del legno della croce, al quale rimangono legati per sempre lo stupore e la commozione - non sentimentali - della fede cristiana per l'inaudita larghezza, altezza, profondità della rivelazione di Dio, che abbiamo toccato, ascoltato e visto nel Figlio. Ne scaturisce, insieme con un segno artisticamente incisivo e originale, l'indicazione di una nuova via per l'icona moderna della contemplazione del mistero sacro. La vitalità della sua meditazione e l'intensità del suo racconto aderiscono alla superficie del mistero rivelato, distillando l'eloquenza elementare dei suoi segni: più profonda di ogni artificioso concettualismo, più emozionante di ogni astratta simbolizzazione. La sua poetica, artistica e religiosa, sfida il pregiudizio della inevitabile frattura fra i segni esteriori e l'intima verità della sua rivelazione. Ma si sottrae anche alla rassegnazione della distanza insuperabile  fra l'evento una volta accaduto e la contemporaneità dei linguaggi, in cui noi siamo e viviamo. Una volta, qui, vuol dire sempre. E per sempre. La modernità del segno si mostra perfettamente in asse con la vitalità del mistero. Tommaso - ed ognuno di coloro che non si aspetta più nulla di <<tangibile>>, dopo la <<morte di Dio>> - allunghi pure la sua mano, qui, e legga le tracce della croce nel Corpo del Figlio. Il Signore è passato di qui. Il Signore è risorto, passando di qui. Il legno della croce conosce la verità e la racconta, per chiunque abbia occhi e orecchi. << Poiché tre sono quelli che rendono testimonianza: lo Spirito, l'acqua e il sangue, e questi tre sono concordi>> (Prima Lettera di Giovanni 5,8).

Biografia
Rinaldo Invernizzi nasce nel 1962 a Milano. Si laurea in economia e commercio a Losanna (Svizzera).
Per dieci anni è impiegato di banca a München (Germania).
Nel 2000, decide di lasciare il mondo della finanza e inizia a dedicarsi completamente all’arte, sia con la pittura che scrivendo racconti. Cambiamento radicale che lo porta, nel 2007, a iscriversi all’Accademia di Belle Arti di Brera, al Dipartimento di Arte Sacra Contemporanea dell’Accademia di Brera a Milano, dove, nel 2012 si laurea. Attualmente è impegnato in un progetto di ristorazione, già ampliamente avviato, nel quale la sua ricerca artistica gioca un ruolo fondamentale: Refettorio; un luogo dove Invernizzi vorrebbe trasformare il concetto di ‘ristorazione’ con la nascita di una quotidianità domestica da vivere e masticare all’interno di un luogo lontano dalle mura di casa, in continuità con la sua ricerca artistica nell’ambito dell’arte sacra.

Principali mostre personali:
2011 Facoltà dell’Italia settentrionale, Milano.
2009 Chiesa di San Martino, Castello Val Solda (CO) - Accademia Contemporanea Milano.
2004 Galleria Nuovo Spazio, Udine.
2001 Galleria Malagnini, Saronno.
Principali mostre collettive:
2010 Pitti Uomo, Firenze
2009 Inverart, Comune di Inveruno. - Accademia Contemporanea, Milano.
2007 Settimana Mediterranea, Camera di Commercio di Milano. - Galleria il Chiostro, Saronno. 

Immagine: Rinaldo Invernizzi, Risurrezione, 2009, olio su tela, cm 70x70. L'opera è stata gentilmente donata dall'artista ad ACC Associazione Culturale Creativa per la raccolta fondi promossa in favore e a sostegno delle attività di ASC Arte Sacra Contemporanea mediante la lotteria a premi "Dona, Gioca, Colleziona Arte" che si è tenuta nella primavera 2013.